INFORMACIÓN I Ahora resulta que el nuevo cine europeo se fabrica en Los Ángeles y se promociona en certámenes como el Festival cubano de Cine Pobre Humberto Solás. El director español Sergio Abuja, de la mano de la productora Timber Films, ha logrado filmar la cinta El hombre que inventó las palabras en los estudios Universal de Hollywood, doce minutos de entrañable reflexión sobre el lenguaje y la adaptación tranquila de un extranjero en su tierra de acogida.
No es casualidad que el director y guionista –ya va por su tercer corto- provenga de Europa, un continente que cifra en decenas sus lenguas vivas, y en concreto de España, con cuatro idiomas oficiales. El Hombre que inventó las palabras trata de un ciudadano japonés que se instala en Los Ángeles y no entiende cómo es posible que dos idiomas distintos contengan tantos sonidos parejos sin que signifiquen lo mismo. El protagonista, Hiroki es un estudiante adulto en una clase de inglés como segunda lengua y su mayor preocupación es entender el mundo nuevo al que se enfrenta. Hiroki descubre que entender el mundo es imposible y que lo realmente importante es encajar en él.
Abuja explica cómo surgió la idea del corto en su mente: “Mi mujer me invitó a unirme a su clase de ESL ‘inglés como segundo idioma’. Me presentó a todos sus compañeros. Me asombré ante tal mezcla de nacionalidades, edades, culturas, así como con las diferentes historias que había traído a cada uno a esta ciudad, Los Ángeles. Al principio, conocer a toda esa gente diferente, me condujo a reflexionar sobre los diversos significados que las palabras adquirían, dependiendo de la procedencia de cada persona. Entonces, descubrí que incluso la gente de un mismo lugar tiene ideas distintas en la mente sobre las mismas palabras. Me di cuenta que había algo extraño acerca del lenguaje”.
Tráiler del cortometraje
Este cortometraje compite en la selección oficial del Festival de Cine Pobre que se celebra en Cuba entre el 15 y el 25 de abril. Como los organizadores se encargan de aclarar, “festival pobre” no se refiere a “cine carente de ideas o de calidad artística, sino a un cine de restringida economía que se ejecuta tanto en los países de menos desarrollo o periféricos, así como también en el seno de las sociedades rectoras a nivel económico-cultural, ya sea dentro de programas de producción oficiales, ya sea a través del cine independiente o alternativo”. En tiempos de revolución tecnológica abaratadora de costes cinematográficos, los promotores del festival consideran que puede “repercutir en una gradual democratización de la profesión, al desequilibrar el carácter elitista que ha caracterizado a este arte vinculado inexorablemente a la industria”.
El joven Sergio Abuja, de 31 años, se ha formado a caballo entre Sevilla y París. Desde 2008, gracias a su experiencia y méritos en el ámbito audiovisual dirigiendo publicidad, reportajes televisivos y realizando documentales, perfecciona su especialización gracias a la beca Talentia que cada año concede la Junta de Andalucía para cursar el máster en dirección cinematográfica de la New York Film Academy en los Estudios Universal de Los Ángeles.
CITAS I Este escrito italiano contemporáneo, uno de los más sobresalientes de su generación, no concede nunca entrevistas. Si acaso, se deja preguntar a través de Internet, en donde puede controlar cada una de sus respuestas sin temor a ser tergiversado.
La desconfianza hacia los periodistas por parte de Alessandro baricco (1958), quizá le venga del hecho de que él mismo es periodista, y en un país en el que el oficio está sometido cada día a las presiones desvergonzadas de los grupos de poder económico y político que polarizan su vida cotidiana.
Este autor de novelas de gran porte estético y emocionalmente cómico, insertó la frase que citamos hoy en su obra-monólogo Novecento, aquella historia del pianista inventor del Jazz, que nació, vivió y murió en un barco sin jamás poner pie en tierra.
La frase es oportuna no sólo porque Europa451 está de estreno con su nueva versión italiana, sino porque aún vivimos unos tiempos en los que el periodismo independiente en Internet sigue considerado de segunda división. Sin duda, es muy positivo que la prensa de nueva generación se cuestione cada día el resultado de su trabajo de información e investigación. Sobre todo en el soporte Internet, cada vez más usado por los ciudadanos para informarse cada día de la actualidad. Desde 2007, existen más lectores de diarios en línea que de periódicos en papel, e Internet es el único soporte que no ha sufrido la crisis financiera en términos de ingresos publicitarios, cuyo aumento se cifra en más del 7% para 2010 según la Asociación Europa para la Publicidad Interactiva.
CITA I René Char era parco en palabras y eso se nota en sus versos nada retóricos. Este grandullón de más de metro noventa empezó jugando al rugby en los años veinte del siglo pasado, cuando era adolescente y terminó siendo uno de los referentes de la poesía surrealista europea.
Nacido en 1907, Char fue uno de los miembros del movimiento surrealista en París, junto con Salvador Dalí, André Breton, Luis Buñuel y Louis Aragon. Llegó a participar en una mítica pelea a mamporro limpio en el parisino bar Maldoror, cuartel general de surrealistas de la época, quedando herido por arma blanca. En seguida fundaría la revista El Surrealismo al servicio de la revolución y se encargó de redactar los textos de los anuncios de la película La Edad de oro, de Buñuel y Dalí, interesándose también por la situación política en España durante la guerra civil.
Su ideología le llevó a enrolarse en la resistencia francesa durante la segunda guerra mundial, época durante la cual su poesía se vuelve más condensada y aforística que nunca. Hasta su muerte en 1988, Char fue un activo pacifista presente a menudo en manifestaciones antimilitaristas en Francia. Suyo es el texto poético que reproducimos a continuación:
CITA I Al poeta español León Felipe (1884-1968) le tocó vivir en primer plano las grandes convulsiones y transformaciones de finales del siglo XIX y el siglo XX. Quizá por eso, pasó casi toda su vida viajando por el mundo y tratando absorber todo aquello que le permitiera creer aún en el Hombre.
Farmacéutico de carrera y profesión, e hijo de notario, pronto se hastió de las comodidades de una vida aburguesada y monótona, decidiendo correr aventuras que le pusieran en la piel de sus semejantes. Viajó por España, de joven, trabajando como actor ambulante. Estuvo tres años encarcelado por desfalco. Dio más de un tumbo entre Barcelona y Madrid, viviendo como un mendigo.
En seguida decidió trabajar en el extranjero: primero en los hospitales de Guinea Ecuatorial, luego, como profesor en México, y más tarde como traductor –entre otros de Walt Whitman- en los Estados Unidos. Regresó a España durante la guerra civil para combatir del lado de la República, pero tuvo que exiliarse definitivamente a México en 1938, desde donde escribió los versos más desgarradores que puedan leerse sobre la desazón de un exiliado español. Hoy, es uno de los poetas europeos cuya obra más se identifica con el humanismo democrático y los ideales universalistas, pero en sus versos nunca ahorró agrias reprimendas a baciones como la británica o la francesa por lo que consideró una traición de su parte a la democracia española en 1936.
Esta es uno de sus versos en prosa que con más sencillez describen su visión de los retos del hombre en un mundo en guerra.
Guillaume Apollinaire, herido de guerra (Wikipedia)
CITA I El poeta Apollinaire (1880-1918) fue víctima de todo lo nefasto que en su tiempo tenía el ser europeo. Nació en Roma, de madre polaca y padre desconocido. Para naturalizarse francés se alistó en el ejército durante la Primera Guerra Mundial.
Trabajó en Alemania como preceptor y se enamorabas con profusión de mujeres de todas las nacionalidades, quizá con la finalidad de adquirir otra nacionalidad que la suya de nacimiento. Todas terminaban por rechazarle. Fue el inventor de los Caligramas, esos poemas escritos en versos que simulan dibujos en vez de las clásicas líneas horizontales ordenadas una debajo de otra. Sin necesidad de carné, ejerció de europeo antes de la letra y se relacionaba con gente como Picasso, Derain, Laurencin o el aduanero Rousseau. Llegó a pasar unos días en la cárcel acusado de complicidad en el robo de esculturas del museo del Louvre. Sobrevivió a la contienda apenas unas horas, pues, el 9 de noviembre de 1918, cuando los franceses celebraban en las calles la victoria, murió de un ataque de gripe española.
Acrópolis de Atenas (F. Jorge Orte Tudela /Flickr)
ENFOQUE I El jueves pasado dos diputados alemanes propusieron una solución para sanear la deuda que está devorando a Grecia: vender islas deshabitadas y obras de arte.
El semanario alemán Bild retomó de inmediato la propuesta de los dos diputados de la CDU –el partido de centro-derecha que gobierna en Alemania con Angela Merkel a la cabeza– Josef Schlarmann y Frank Schaeffler. El artículo en cuestión se despachaba con frases como “Grecia, ¿porqué no vendes tus islas? ¡Estás en bancarrota!... ¡vende incluso la Acrópolis!”
“Las personas que se declaran insolventes, deben vender todo aquello que apropian para pagar a sus acreedores”, subraya Schlarmann. “Grecia posee palacios, compañías e islas deshabitadas que podrían cubrir las deudas del país”. Dimitris Droutsas, subsecretario griego de Asuntos Exteriores incluso ha sido preguntado sobre este extremo en la cadena Ard TV (el consorcio de la televisión pública alemana) comentando: “Ideas como la de vender la Acrópolis no me parecen apropiadas para estos momentos”. La deuda pública de Grecia es mayor que su Producto Interior Bruto (300.000 millones de euros contra 240.000) y las medidas que está tomando el gobierno provocan tremendas manifestaciones por todo el país.
Costa de Sicilia (F. Jose Luis RDS / Flickr)
Algunos proponen lo mismo para Italia
Durante una entrevista realizada al economista canadiense Robert Mundell publicada en el diario Le Monde del 23 de febrero pasado se pretende que el verdadero problema de la zona euro no es Grecia, sino Italia. Según Mundell, la situación italiana da menos miedo que la Griega por ahora, aunque el gobierno italiano sabe que no puede financiar un plan de reactivación económica. La deuda pública total italiana equivale al 120% de su PIB.
Desde un punto de vista económico, la idea de los dos diputados alemanes, de mentalidad práctica, no tiene por qué menospreciarse. Ahora bien, habría que insistir en “vender al mejor gestor”. Estaría bien que los franceses se quedaran con el Norte de Italia y las vías férreas del Estado. Si además, los españoles retomaran el reino borbónico de Nápoles e introdujeran el matrimonio homosexual, sería el triunfo.
Alberti de regreso del exilio (Fundación R. Alberti)
ENFOQUE I Fue un viajero empedernido y, muy a su pesar, un exiliado todavía más empedernido, debido a su pertenencia al Partido Comunista de España y su participación activa en la guerra civil española (1936-1939) en favor de la II República. No deja de sorprender que siendo Alberti el más longevo de su generación artística, el que más viajó y el que más amistades cultivara más allá de las fronteras españolas, no suene al lado de nombres como García Lorca, Buñuel, o Dalí.
El 16 de diciembre de 2009, el poeta español Rafael Alberti cumple 107 años. Alberti (1902-1999) es el poeta español que mejor representa las tribulaciones y aventuras literarias, sociales y políticas del siglo XX español. Jugó, junto a Federico García Lorca, un papel dinamizador central en la llamada Generación artística del 27, en la que se inscribieron nombres como Luís Buñuel, Salvador Dalí o García Lorca. A nivel internacional actuó de nexo de unión de los grandes intelectuales europeos, como amigo íntimo de Pablo Neruda, Vinicius de Moraes, Louis Aragon, Elsa Triolet, Picasso, Ilia Ehremburg y otros. Nunca llegó a terminar sus estudios de bachillerato, pero además de poeta, fue pintor, dramaturgo, guionista y, durante la guerra civil, el responsable de salvar los cuadros del Museo del Prado de los bombardeos de la aviación franquista.
Un autor internacional desconocido en Europa
“Nuestra labor en la Fundación es velar por el patrimonio depositado en ella por Rafael y colaborar en el estudio de su obra y generación literarias”, precisa Mª Asunción Mateo, segunda mujer del poeta y Directora de la Fundación Rafael Alberti. La presencia de la Fundación es muy activa en Latinoamérica, en especial en Chile, Méjico, Cuba o Uruguay, pero lo es mucho menos en Europa, en donde Alberti, no obstante, viajó y trabajó durante muchos años. En Roma, donde vivió 14 años y a la que dedicó uno de sus libros más recitados (Roma, peligro para caminantes), no existe ni tan siquiera una calle con su nombre. En París, primera parada de su exilio tras la guerra civil española en la que participó del lado de los republicanos dada su afiliación al Partido Comunista, difícil es encontrar a ciudadanos que hayan oído su nombre. “Bastante tuvo con no acabar en un campo de concentración y escapar de los alemanes cuando estos entraron en París en 1940”, puntualiza, su viuda recordando que “los nueve meses que Alberti residió en París junto a su primera mujer, Mª Teresa León, trabajando en la emisora de radio Paris Mondiale, los pasaron como refugiados políticos, por lo que su actividad poética no pudo hacerse pública”.
Un márketing difuso
Aun así, no deja de sorprender que siendo Alberti el más longevo de su generación artística, el que más viajó y el que más amistades cultivara más allá de las fronteras españolas, no suene al lado de nombres como García Lorca, Buñuel, o Dalí. “Tampoco se ha reconocido la obra de todo un premio Nobel como el poeta Juan Ramón Jiménez o Antonio Machado”, ataja Mª Asunción Mateo, para quien la resonancia mundial de “ilustres como Buñuel o Dalí se debe, de cara al primero, a que su obra se difunde a través de un medio universal como el cine y, de cara al segundo, a que supo promocionar su genialidad pictórica a nivel de márketing como pocos”. “En cuanto a Lorca, su trágica muerte ha alimentado siempre el morbo de los estudiosos e historiadores en todo el mundo”, explica Juan Gómez, quien fuera responsable de Cultura del ayuntamiento de El Puerto de Santa María cuando se creó la Fundación en 1991, y en cuya casa Alberti pasaba más de una tarde recitando y cantando sus adoradas “canciones picantes” entre amigos (“Una monjita con afán prolijo / con ardor la chupaba a un crucifijo”, recordará el poeta Luís Muñoz). A decir verdad, Aberti, con su carga de simbolismo político y artístico (recordemos que también fue un original pintor) no se ha convertido en “una marca”, contra lo que han llegado a temer consagrados poetas amigos como Luís García Montero, sobre todo si lo comparamos con compañeros de generación como Picasso, Neruda o el citado Dalí.
“Un carné de partido no es un carné de conducta”
Rafael Alberti tuvo una vida larga e intensa; en su casa de Roma, solía contar, había siempre tantas visitas de intelectuales europeos y políticos españoles de la clandestinidad, que muchos la consideraban la verdadera embajada española en Italia, frente a la oficial franquista y la nunciatura. Su obra, siempre abierta a los nuevos lenguajes y despierta ante las nuevas formas de comunicarse entre la gente corriente, introducía toda clase de modismos del lenguaje hablado, conectando así en especial con los jóvenes. Sin embargo, hoy el comunismo no está tan de moda y los jóvenes se fijan en otras cosas. “Fascina y fascinará su personalidad, su legendaria vida, su consecuencia ideológica, la variedad de registros de su obra literaria y su singular pintura, que lo convierten en un hombre del Renacimiento”, repite siempre Mª Asunción Mateo. “Rafael siempre imantó a la juventud, y seguirá haciéndolo, porque su obra está siempre a la vanguardia, aunque la haya escrito hace setenta años. La genialidad no encuentra barreras temporales.”
Ante la ola de anticomunismo que se respira en los países del antiguo Bloque del Este, por los que Alberti tanto viajó, ¿qué le diríamos hoy a unos gemelos Kaczyński sobre la vida de quien siempre se consideró “comunista de corazón”? Ante esta cuestión, Mateo, que dirije una fundación en cuyo comité de honor hay premios Nobel comunistas como el portugués José Saramago, lo ve claro: “Yo podría estar hablándoles a los 'anticomunistas acérrimos', como usted dice, de Rafael y de su obra hasta que se cansaran de escucharme. Esto podría acrecentar su amor por la literatura o por la pintura, pero no creo que mi discurso variase su pensamiento político.”
“Hay una frase suya”, concluye, “que merecería estar esculpida: 'Un carné de partido no es un carné de conducta'. No creo que cuando se esté contemplando hoy una escultura de Fidias o la Victoria de Samotracia, nadie se esté preguntando la ideología política de los escultores.”
Fue un viajero empedernido y, muy a su pesar, un exiliado todavía más empedernido, debido a su pertenencia al Partido Comunista de España y su participación activa en la guerra civil española (1936-1939) en favor de la II República. Vivió exiliado 38 años, de los que pasó casi uno en París y 14 en Roma. Ello le condujo, en coherencia con su carácter explorador y ecléctico, a escribir poemarios mezclando idiomas o directamente con doble versión original. Por un lado, Vida Bilingüe de un refugiado español en Francia, y más tarde Roma, peligro para caminantes, de los que publicamos un par de extractos a continuación.
(Es la Francia de Daladier, de Leon Blum y de Bonnet, la que aplaude a Franco en el cine, la Francia des Actualités.)
¡Qué terror, qué terror, allá lejos! La sangre quita el sueño, hasta la mar la sangre quita el sueño. Nada puede dormir. Nadie puede dormir. …Y el miércoles del Havre sale un barco, y este triste allá lejos se quedará más lejos.
–Yo a Chile, yo a la URSS, yo a Colombia, yo a México. Yo a México con J. Bergamín. ¿Es que llegamos al final del fin o que algo nuevo comienza? –Un café crème, garçon. Avez-vous «Ce Soir»? Es la vida de la emigración y un gran trabajo cultural.
NOCTURNO
Toma y toma la llave de Roma, porque en Roma hay una calle, en la calle hay una casa, en la casa hay una alcoba, en la alcoba hay una cama, en la cama hay una dama, una dama enamorada, que toma la llave, que deja la cama, que deja la alcoba, que deja la casa, que sale a la calle, que toma una espada, que corre en la noche, matando al que pasa, que vuelve a su calle, que vuelve a su casa, que sube a su alcoba, que se entra en su cama, que esconde la llave, que esconde la espada, quedándose Roma sin gente que pasa, sin muerte y sin noche, sin llave y sin dama.
NOTTURNO (Version en italiano elaborada por Vittorio Bodini)
Tieni, tieni la chiave di Roma, perché in Roma c'è una via, nella via c'è una casa, nella casa c'è una stanza, nella stanza c'è un letto, nel letto c'è una dama, una dama innamorata, che prende la chiave, che lascia il letto, che lascia la stanza, che lascia la casa, che va per la via, che prende una spada, che corre di notte e uccide chi passa, che torna nella via, che torna nella casa, che sale alla stanza, che entra nel letto, che nasconde la chiave, che nasconde la spada, e Roma resta senza gente che passa, senza morte e senza notte, senza chiave e senza dama.
A su regreso a España en 1977, al bajar de la escalerilla de su avión ante un nutrido grupo de periodistas congregados para la ocasión, pronunció la frase que luego definiría el espíritu de la transición pacífica hacia la democracia en España: “Me fui de España con el puño cerrado y regreso con la mano abierta en señal de concordia entre todos los españoles”.
Primera entrevista de Rafael Alberti en televisión tras su regreso del exilio: aún confunde palabras italianas y españolas.
INFORMACIÓN I Robert Schuman y Jean Monet, los padres fundadores de la actual construcción europea, eran dos fervientes cristianos. No hicieron de su profesión de fe, siempre llevada con discreción, una cuestión fundamental de la integración europea, pero la bandera de la Unión es un jeroglífico cristiano.
Muchos europeos en los años ochenta pensaban que las doce estrellas de la bandera europea correspondían a los doce países miembro de la Unión. Se equivocaban. Las sucesivas ampliaciones no han atiborrado de estrellas el círculo mariano de estrellas que representa la corona sobre el cabello de la Virgen María, madre de Jesús, centro de las religiones cristianas. Y todo sobre fondo de color azul, la tonalidad que también simboliza toda la mitología que rodea la figura de la madre del mesías crucificado.
Es más, la bandera la aprobó el Consejo de Europa el 8 de diciembre de 1955, día de la Inmaculada Concepción. Tres días más tarde, el Consejo de Europa inauguró un vitral de la catedral de Estraburgo en honor a la Virgen coronada con una aureola de doce estrellas. Su autor, el diseñador Arsène Heitz ha explicado varias veces la inspiración que tuvo al leer un pasaje del libro Apocalipsisis, del Antiguo Testamento y que se refiere al famoso dogma de la virgen María. Doce apóstoles, doce hijos de Jacob y doce estrellas en la bandera.
PERFIL I Nacido en Praga en 1875, el poeta Rainer Maria Rilke, vivió en primera fila la descomposición de la Europa de los imperios y las aristocracias venidas a menos.
Surgido de una familia de la elite austrohúngara, pasó media vida viajando por todo el continente al ritmo que le marcaba su salud de naturaleza frágil y enfermiza, así como sus amistades siempre mimadas mediante una prolífica actividad epistolar. Alemania, Francia, Italia, Suecia, España, Rusia, Suiza, etc., fueron varios de los países que acogieron a este escritor que apenas regresó a su ciudad natal. Tras la I Guerra Mundial y la desintegración del Imperio Austrohúngaro, se convirtió en un apátrida. De ahí que pueda considerarse uno de los primeros poetas puramente europeos de nuestra época, un individuo desapegado de las pasiones nacionalistas de sus coetáneos.
De hecho, desde muy joven, consideraba al Artista como un ser sin “más patria que sí mismo”, rechazando que se pudiera catalogar a los creadores como de una nacionalidad o de otra: “Que el Arte, en su cumbre, no pueda ser nacional hace que cada artista nazca, hablando con propiedad, en el extranjero”, le escribió a la poeta rusa Tsvetaieva. No sorprende, pues, que este praguense que solía escribir en alemán, también usara sin complejos la lengua francesa para componer sus versos, practicando un multilingüismo excepcional en la Historia de la Poesía europea, algo que más tarde, en los sesenta del siglo XX, poetas como Paul Celan desacreditarían afirmando “no creer en el bilingüismo en poesía”. Pocos son, en efecto, los versificadores europeos que han decidido –anecdóticamente, además- expresarse en varios idiomas: Samuel Beckett, Rafael Alberti…
Ahora bien, lo que hace de Rilke un poeta moderno es su concepción de la vida del artista como una experiencia volcada hacia el descubrimiento del mundo interior propio antes que como una búsqueda del reconocimiento exterior. Su concepción individualista de la soledad en la que se encuentra el Hombre en todo momento de su vida, ha marcado a generaciones enteras de poetas en el siglo XX hasta nuestros días. Sus cartas al joven poeta alemán Kappus –tan relevantes en la Historia de la literatura como sus poemas- nos descubren un sencillo manual acerca de la actitud que, a su entender, todo artista debe educar en sí mismo para completar su desarrollo como tal.
A continuación transcribimos 2 de los poemas que Rilke escribió, menguando ya su vida, en francés.
Nuestra penúltima palabra igual es miserable, pero ante la conciencia-madre la última bella será.
Pues es menester que se resuman todos los esfuerzos de un deseo que ningún regusto de amargura sabría contener.
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Detengámonos un poco, charlemos. Soy de nuevo yo, esta tarde, quien se expresa, Es de nuevo usted quien me escucha.
Más tarde, otros jugarán A ser compañeros de ruta Bajo estos hermosos árboles que nos prestamos.
Notre avant-dernier mot serait un mot de misère, mais devant la conscience-mère le tout dernier sera beau.
Car il faudra qu’on résume tous les efforts d’un désir qu’aucun goût d’amertume ne saurait contenir.
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Arrêtons-nous un peu, causons. C’est encore moi, ce soir, qui m’arrête, C’est encore vous qui m’écoutez.
Un peu plus tard d’autres joueront Aux voisins sur la route Sous ces beaux arbres que l’on se prête.
CRÍTICA I “¿Adónde vamos?, los sabremos al final.” Madurar, en clave de cine, se nos antoja que es sinónimo de quejarse menos y hacer algo más el cafre. La primera cinta de la artista suiza Pipilotti Rist es un revulsivo ante el cine de psicoanalista que ha imperado en el Festival de Cine Europeo de Sevilla en 2009. Se ha llevado el premio especial del Presidente del Jurado, pero hubiera merecido mucho más.
“¡El rojo es bueno!”, grita Pepperminta, el personaje principal de la película homónima presentada en la sección oficial de SEFF 09, mientras uno de sus compañeros de aventura se empapa en pintura colorada tras beber de un cáliz lleno de sangre menstrual. “La sangre menstrual en esta película es un símbolo de cómo podemos cambiar nuestros rituales”, explica la directora de una cinta iconoclasta y calculadamente estrafalaria.
¿Acaso antes de Pepperminta el rojo no era bueno? “El problema es que en nuestra cultura siempre que hay sangre se asocia a escenas de violencia desde hace 200 años. El rojo debe fluir, si no, se vuelve negro”, comenta Rist matizando que no existe un mensaje sólo político detrás de este eslogan, pero es cierto que hay que ser autocríticos, para que lo rojo no se autodestruya y se vuelva negro [ausencia de color].
De todos modos, la película Pepperminta es un himno a todos los colores de al arcoíris. El comando de estrafalarios amigos de la protagonista, utiliza los colores y los sonidos, sabores, tactos y olores sugeridos por su paleta para sembrar una anarquía liberadora en la ciudad. “Lo que yo sé es nuevo y no puede esperar al fin del mundo”, atiza Pepperminta con clara referencia a aquel “queremos el mundo y lo queremos ahora” de los años sesenta. “Hemos mordido la manzana y no nos van a echar del paraíso.” Escena a escena, su comando va desmontando los miedos construidos por los padres, los maestros, los expertos, los curas, el Estado, etc., y rompiendo con los cánones estéticos y las prisiones físicas y de la edad en los que nos asfixiamos.
Con una estructura un punto repetitiva, pero una desvergonzada retahíla de acciones y eslóganes empapados en flujos corporales y fantasía clownesca, Pepperminta representa una invitación directa a la madurez del cine europeo a través de una actitud orgásmica, fuera de toda norma y sin lamentaciones adolescentes. “La película no tiene por qué ser realista, sino invitar a la reflexión acerca del exceso de normas que rijen nuestra vida”, afirma Rist. “Siempre es buen momento para nacer”, corrobora Pepperminta recordando que en el cine y en la vida hay que volver a empezar de manera cíclica.
Contra toda apariencia, Pepperminta no es cine psicodélico, sino psicogénico. Una historia que busca la empatía a través de la ruptura y los sentimientos básicos de la infancia trasladados a un mundo de adultos. Su directora quizá haya querido hacer una obra de arte, pero ha logrado algo más: un tratado rebelde y alegre contra el cine gris y redundante que se factura en Europa.
Pedro Picón y Fernando Navarro son editores de Europa451.es -------------------------- Un colectivo de periodistas europeos, que investigan y teclean desde Bruselas hasta los confines de Europa en varios idiomas. Leer más.
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